Народный промысел центральной россии: размещение и центры

Малахитовые изделия

Малахит — зеленый минерал с богатыми оттенками, хорошо поддающийся обработке. Камень может быть от светло-зеленого до черно-зеленого цветов, а первая поделка насчитывает более 10 тысяч лет. Плотные разновидности малахита хорошего цвета и с красивым рисунком высоко ценятся, их с конца XVIII века употребляли для облицовки плоских поверхностей.  С начала XIX века малахит используется для создания объемных произведений — ваз, чаш, посуды.

Малахитовая шкатулка

Широкую известность за пределами России малахит получил благодаря заказам Всемирной выставки в Лондоне в 1851 году, подготовленной А.Н. Демидовым. Благодаря Демидовым с 1830-х годов малахит начинают использовать как материал для архитектурной отделки: первый малахитовый зал был создан по заказу П.Н. Демидова архитектором О. Монферраном в особняке в Санкт-Петербурге на ул. Б. Морская, 43. Роскошные интерьерные работы с малахитом были выполнены в Исаакиевском соборе. Также малахит используют для изготовления ювелирных украшений. Техника облицовки малахитом называется «русская мозаика». В ее основе лежит принцип, который использовался европейскими мастерами для снижения стоимости изделий из лазурита еще в XVII веке: тонко напиленными пластинками камня покрывают поверхность предмета из металла или дешевого камня. Так создается иллюзия резьбы из монолита.

Малахитовые колонны иконостаса

Малахитовому промыслу посвящены сказки русского писателя Павла Петровича Бажова, который начинал свою карьеру учителем в школе  глухой уральской деревни Шайдуриха, заселенной старообрядцами. От них писатель перенял немало интересных историй и легенд, связанных с жизнью на Урале и фольклорными обычаями местного населения.

Дымковская игрушка

Дымковская слобода, стоящая на берегу реки Вятки, родила еще один народный промысел Центральной России. Именно там жили умельцы, которые на гончарном круге изготавливали хозяйственно-бытовые товары и игрушки. Последние представляли собой свистульки, которые забавляли детей. По преданию считалось, что свистом можно приманить бога солнца – Ярилу. Вятичи даже отмечали своеобразный день весны и тепла. Поэтому свистульки в виде различных зверей были настолько яркими и нарядными, что дарили людям ощущение праздника.

Мастера делали свои произведения красочными и пестрыми. Чаще всего игрушками становились животные с хозяйственного двора – индюки, петухи, утки, бараны.

Через много лет после этого известный художник Апполинарий Васнецов изображал на своих полотнах дымковские игрушки. Он приходил в полный восторг при упоминании о свистульках и восхищался ими, как античными скульптурами.

Дымковская игрушка — сочинение

На Руси было и есть много народных промыслов. Мой любимый народный промысел — дымковская игрушка. Это название происходит от Дымковской слободы. Сначала дымковские мастера делали глиняные свистульки. От свистулек они перешли к изготовлению глиняных игрушек, которые были ярко разукрашены.

Чаще всего дымковские игрушки изображают людей и животных. Особенно мне нравятся игрушки-животные, которые всегда вызывают улыбку— такие они забавные, жизнерадостные, весёлые.

Дымковские игрушки — это настоящие произведения искусства. Мастера, создающие их, — талантливые и добрые люди, а сами рукотворные изделия являются носителями духовных ценностей.

Эти милые игрушки можно увидеть сегодня не только на прилавках магазинов народных промыслов, но и на полках в наших квартирах. От таких игрушек становится теплее на душе.

Дымковские игрушки напоминают мне детские рисунки: они такие же яркие, пёстрые, радостные, весёлые, жизнеутверждающие.

Эти изделия вызывают у меня чувство гордости за талантливых русских мастеров.

Вариант 2

Дымковская игрушка очаровывает своими простыми, плавными линиями , яркими красками и заложенными в нее хорошими эмоциями. Более четырехсот лет в Кировской области производят эти традиционные игрушки, давно уже переставшие быт только детской забавой и превратившиеся в предмет коллекционирования.

Откуда взялась дымковская игрушка?

Считается, что изначально все дымковские игрушки имели форму свистулек и создавались к ежегодному весеннему празднованию, частью которого были песни, пляски, свист и ярмарка. Форма первых дымковских свистулек была незамысловата – чаще всего это были барашки, утки, лошадки или другие животные. Годы спустя, когда праздник уже перестали отмечать, мастерицы продолжили создавать дымковскую игрушку для детей или в подарок.

С тех времен популярными стали разные композиции: мамы с малышами, барашки, петушки, играющие дети, скоморохи, богато одетые барыни и кавалеры.

Как делают дымковскую игрушку?

Каждая дымковская фигурка неповторима. И в самом начале истории дымковской игрушки и в наши дни ее лепят вручную опытные мастера, прошедшие специальное обучение.

Основой для изготовления фигурки служит глина, перемешанная с мелким песком. Из этой пластичной массы создают тело и мелкие детали игрушки, а потом их аккуратно соединяют и приглаживают так, чтобы все части стали единым целым.

Для того, чтобы изделие стало крепким, игрушку хорошо просушивают и обжигают в печи, как это делают с глиняной посудой. После обжига игрушка покрывается белилами и раскрашивается. В древние времена для росписи дымковских фигурок использовали природные красители, но сегодня мастера работают с современными синтетическими красками, которые превосходят натуральные красители по стойкости и яркости. Для придания игрушке особой праздничности, ее узоры дополняют деталями из очень тонких листочков настоящего золота или другого металла золотистого цвета.

Современная роспись на дымковской игрушке отличается от того, что можно было увидеть на игрушках столетия назад. В самом начале дымковского промысла у мастериц не было кистей, им приходилось работать палочками и перышками. Из-за этого рисунок на игрушках был прост и лаконичен. В наши дни художникам доступны разнообразные кисточки, отличающиеся по жесткости и толщине. Это позволяет украсить игрушку затейливым орнаментом изящных завитков и привнести что-то новое в старые традиции.

Особенности росписи дымковских игрушек

Роспись, украшающая игрушку, может показаться незатейливой. Но все детали этого простого орнамента складываются на игрушке в удивительную яркую мозаику цветов. Основными элементами росписи являются круги, прямые и волнистые линии. Все эти делали расположены на игрушке таким образом, чтобы контрастность цветов подчеркивала яркость каждого элемента.

Дымковский промысел в наши дни

Многие знакомятся с дымковской игрушкой еще в детстве: в образовательную программу детского сада и школы входят уроки, на которых детям показывают изделия дымковского промысла и рассказывают об особенностях и истории дымковской игрушки.

Несмотря на многовековые корни, производство дымковской игрушки существует и по сей день. Из года в год, от мастера к мастеру передаются особые секреты мастерства, делающие игрушку такой интересной и живой.

Сочинение на тему “Поход в театр” для 4–8 классов.

Гжельская роспись

С давних времен на Руси была широко известна посуда и иные предметы быта, изготовленные из керамики. Одним из самых известных населенных пунктов Руси, жители которого занимались изготовлением керамической фарфоровой посуды, является Гжель (ныне город находится на территории Раменского района Московской области). Уже с XVII века, а то и ранее Гжель является известнейшим центром изготовления фарфора и керамики. Продукция местных мастеров расходится по всей России. Надо отметить, что в старину этот город был одним из центров старообрядцев-поповцев. Расцвет Гжели пришелся на время деятельности «Товарищества производства фарфорово-фаянсовых изделий М.С. Кузнецова» в конце XIX — начале XX века.

Керамическая посуда из Гжели

Формирование привычной нам палитры цветов Гжели приходится на начало XIX века. Исследователи указывают, что с 1820-х годов все большее число гжельских изделий окрашивали в белый цвет и расписывали исключительно синей краской. В наши дни роспись, сделанная синим цветом, является характерным признаком изделий Гжели. Популярность подобной посуды оказалась столь велика, что подобные изделия стали создаваться и в других местностях, но имели схожий сине-белый орнамент. Появилось и много подделок.

Чайный сервиз из Гжели

Специалисты утверждают, что аутентичными изделиями Гжели можно назвать лишь авторские работы, сформировавшие привычную нам стилистику Гжели в 80-е годы XX века. Это работы таких  художников, как Азарова, Денисов, Неплюев, Федоровская, Олейников, Царегородцев, Подгорная, Гаранин, Симонов и другие. Каждый из этих  мастеров ставит на изделии личную подпись или штамп предприятия, на котором работает. Если мастер является сотрудником предприятия, то его изделия передаются в производственный цех в целях тиражирования.

Жостовская роспись

В середине XVIII века на Урале, где находились металлургические заводы Демидовых, зародился новый вид промысла. Местные мастера стали расписывать металлические подносы. Интересно, что такие мастерские появились в городах, где немалую часть населения составляли старообрядцы, которые до сей поры имеют там моленные и храмы. Это Нижнй Тагил, Невьянск и Выйск, основанные в 1722 году. Так появились так называемые тагильские подносы. Промышленники Демидовы, курировавшие этот промысел, весьма заботились о качестве и художественной ценности изделий. С целью обучения и подготовки профессиональных кадров они основали в 1806 году школу. Исторический стиль тагильских подносов был создан благодаря этой школе и самому авторитетному ее преподавателю — выпускнику Императорской Академии художеств В.И. Албычеву.

Поднос с жостовской росписью

Расписные тагильские подносы продавались по всей стране. Подобные изделия стали пытаться производить и в других местах. Самой удачной такой попыткой стала организация производства расписных подносов в деревне Жостово Московской губернии. Подносы, изготавливаемые там, получили известность в первой половине XIX века. С тех пор этот вид промысла получил наименование «жостовская роспись». До наших дней промысел росписи подноса сохранился только в Нижнем Тагиле и Жостово. Роспись делается главным образом по черному фону (изредка по красному, синему, зеленому).

Поднос с жостовской росписью

Основными мотивами росписи являются: цветочные букеты, как пышные садовые, так и мелкие полевые цветы; уральские пейзажи или старинные города. На некоторых старинных подносах можно увидеть людей, сказочных птиц. Расписные подносы используются либо по назначению (под самовар, для сервировки обеда), либо для украшения. По форме подносы делятся на круглые, восьмиугольные, прямоугольные, овальные.

Происхождение и история декоративного искусства

Первым типом декоративного искусства была древняя керамика, в частности японская керамика периода Дзёмон, впервые появившаяся около 14 500 г. до н.э. Она также была широко распространена примерно с 5000 г. до н.э. в ряде древних средиземноморских цивилизаций, прежде чем достигла своего апогея в следующих стилях: геометрического стиля, восточного стиля, черного и красного рисунка древнегреческой керамики. Еще одним ранним производителем декоративного искусства были кельты (c. 500-50 до н.э.), создавшие оружие и предметы ювелирного искусства из золота и бронзы. Позже кельтские ремесленники в Ирландии произвели ряд изысканных церковных предметов, а также другие произведения, такие как «Брошь из Тары» (c.700 н.э.), «Чаша из Ардага» (VIII / IX вв. Н. Э.), Чаша Дерринафлана (8-го / 9-го века н.э. и Крест Конга (12 век).

«Брошь из Тары» (c. 700 н.э.)

Эти орнаментальные традиции сохранились на европейских королевских судах короля Карла Великого I и более поздних правителей, с новыми формами искусства, которые разрабатывались в области гобелена и другого текстиля. Великая программа строительства христианского готического стиля финансировала развитие европейского витражного искусства. Витраж использовался во всех соборах Франции, Англии, Германии и других местах.

Во времена эпохи итальянского и северного ренессанса живопись и скульптура имели тенденцию быть более серьезными, чем декоративные. Важным событием в это время было создание знаменитой фабрики гобеленов в Париже (1667) во главе с Чарльзом Ли Бруном (1619-90) и фабрикой гобеленов Бове (1664), также в Париже.

Людовик XIV посещает «Отель Гобеленов». Шпалера по картону Шарля Лебрена, 1667 год.

После этого появилась школа рококо, которая дала огромный толчок декоративным ремеслам, таким как мебель, домашняя обстановка, стекло и текстиль. Если барокко было укоренено в архитектуре, стиль рококо был укоренен в дизайне интерьера. Выдвинувшись во дворце Людовика XV в Версальском дворце, стиль оказался исключительно популярным в некоторых частях Германии и Центральной Европы. Эпоха рококо также известна популярностью китайских декоративных мотивов, как в китайском стиле, так и в псевдо-китайском стиле украшений, который распространяется по всей Европе.

Ни социализм Французской революции, ни методы массового производства промышленной революции не способствовали эстетике декоративных ремесел. В результате, только в конце 19-го века, в реакции против машинных продуктов, декоративное искусство снова вышло на первый план. Это произошло благодаря Уильяму Моррису и Движению за искусство и ремесло, социальному и эстетическому движению, которое возникло из Общества выставок искусств и ремесел, основанного в 1888 году, хотя его корни относятся к 1850-м годам и эстетике искусствоведа Джона Рёскина (1819-1900). Движение отстаивало хороший дизайн и мастерство, в отличие от стандартизованных конструкций машинно-заводских продуктов.

На рубеже веков появилось еще одно дизайнерское движение, известное как Движение возрождения кельтского искусства. Пионеры ирландской интеллигенции, такие как У.Б. Йейтс и Леди Грегори, а также такие активисты, как Джордж Рассел, Оливер Сент Джон Гогарти, Падрейк Колум и Эдвард Планкетт, привели к мини-ренессансу кельтских проектов и кельтского искусства в целом. Кельтские ювелиры и металлисты начали копировать древние произведения.

Между тем, успехи в хромолитографии в Париже французского литографа Жюля Шере (1836-1932) привели к огромному повальному увлечению в Европе. Это объединилось в 1890-х годах с первым современным международным стилем дизайна, а именно модерном (популяризированным такими группами, как Венский сецессион ), который достиг пика на Международной выставке 1900 в Париже. Альфонс Муха (1860-1939) создает плакаты в стиле ар-нуво. Затем, когда ар-нуво начал терять свое преимущество, он был заменен функционализмом в плакатной литографии, о чем свидетельствует Леонетто Каппьелло (1875-1942). После Первой мировой войны мир получил очень влиятельную школу дизайна Баухауза, а затем появилось последнее крупное декоративное движение, известное как Art Deco. Этот стиль получил свое название от Международной выставки декоративно-прикладного искусства 1925 года в Париже. С тех пор было очень мало значительных новых стилей декоративного искусства, хотя влияние Поп-арта и минимализма оказало определенное влияние, как и нео-поп. В 1970-е годы в Америке феминистское художественное движение решительно выступало за традиционные женские декоративные ремесла, в том числе рукоделие, вышивку, стекло и керамику.

Палех

Многие центры народных промыслов Центральной России давали свои названия произведениям. Так произошло и с Палехом. Эта деревня была крупной торгово-ремесленной точкой. Именно в ней можно было приобрести заморские товары. На возникновение данного вида кустарного производства повлияла развитая творческая сфера. В Палехе находились мастерские, занимающиеся иконописью.

В начале двадцатого века в деревне росписью покрывалось все, что только можно – шкатулки, украшения, письменные принадлежности, блокноты, коробки для хранения табака, пудреницы.

Благодаря палехской миниатюре в обиход вошли такие материалы, как черный лак и папье-маше. Именно такой темный фон был отличительным признаком данного ремесла. Лаковая поверхность очень приковывает взгляд.

Жостковские подносы

Изначально в Жостково, помимо подносов, изготавливали и другие предметы обихода – шкатулки, табакерки, марочницы. Но именно данная вещь принесла известность мастерам из этой деревни. На поверхности изделий умельцами изображаются цветочные орнаменты, которые олицетворяют буйство природы. В мастерской Филиппа Вишнякова первые подносы изготавливали из папье-маше. В девятнадцатом веке данный предмет стали делать из металла. Наиболее известным является поднос овальной формы, который расписан живописью по перламутровому покрытию. На каждом изделии стоит клеймо, по которому можно определить историю возникновения этой вещи.

Крестецкая строчка

Крестецкая строчка (или крестецкая вышивка) — народный промысел, развивавшийся с 1860-х годов в Крестецком уезде Новгородской губернии, издревле заселенном староверами федосеевского согласия.

Крестецкая строчка

Крестецкая строчка — это наиболее трудоемкая и сложная в технике исполнения строчевая вышивка.

Крестецкая строчка

Вышивка выполнялась на ткани изо льна, причем нити, основы и утка подрезались и выдёргивались из ткани, образуя просветы, наподобие сетки. Эта ткань и использовалась для создания разнообразных узоров и вышивок. Крестецкой вышивкой украшались предметы одежды, занавески, полотенца.

Ростовская финифть

Этот вид кустарникового промысла имеет очень глубокие корни. Финифть представляет собой роспись по металлической поверхности, которая покрыта эмалью. Она отличается хорошей устойчивостью, изделия сохраняют свой привлекательный вид даже по прошествии длительного времени. Как и многие другие промыслы, ростовская финифть зародилась благодаря иконописцам. Она украшала не только изображения ликов святых, но и другие предметы церковного обихода. Данная роспись отличается большим многообразием сюжетов. Это цветы, известные персоны, фольклор, история. Специальные краски после обжига придают рисунку яркость и блеск.

Городецкая роспись

И снова Нижегородская область дала стране такой замечательный промысел. Несколько поселений возле Городца увлекла особенная роспись, которая просто не могла не появиться здесь. Лесной край, щедро дающий людям свои богатства, стал причиной появления здесь мастеров, искусно делающих предметы быта, посуду, кухонную утварь.

В чем особенности промысла? Черный, красный или желтый рабочий фон, красили мастера древесину без грунтовки. Сначала краски использовали яичные, сегодня работают преимущественно масляными составами. Городецкой росписи присуща точность линий, подсмотренная, кстати, у резчиков. Рисунок наносили крупными мазками, без эскиза.

Изображали на деревянных изделиях домашние застолья, простую крестьянскую жизнь (но и сцены из купеческой жизни тоже придумывали). Мастер рисовал то, что видел вокруг себя. Он брал на себя роль рассказчика, и оттого работы не только красивы, живописны, аутентичны, но еще и повествовательны.

Финифть

Финифть — изготовление художественных произведений с помощью стекловидного порошка, эмали на металлической подложке. Стеклянное покрытие является долговечным и не выцветает со временем, изделия из финифти отличаются особой яркостью и чистотой красок. Эмаль приобретает нужный цвет после обжига с помощью добавок, для которых используются соли металлов. Например, добавки золота придают стеклу рубиновый цвет, кобальта — синий цвет, а меди — зеленый.

Вологодская (усольская) финифть

Вологодская (усольская) финифть — традиционная роспись по белой эмали. Промысел возник в XVII веке в Сольвычегодске. Позже подобной финифтью стали заниматься в Вологде. Изначально главным мотивом были растительные композиции, нанесенные красками на медную основу: цветочные орнаменты, птицы, звери, в том числе и мифологические. Однако в начале XVIII века стала популярна однотонная финифть (белая, синяя и зеленая). Только в 1970-е годы XX века началось возрождение «усольской» многоцветной финифти вологодскими художниками. Производство продолжается и сейчас.

Ростовская финифть

Также существует ростовская финифть — русский народный художественный промысел, который существует с XVIII века в городе Ростове Великом Ярославской области. Миниатюрные изображения выполняют на эмали прозрачными огнеупорными красками, которые были изобретены в 1632 году французским ювелиром Жаном Тутеном.

Уральские горки.

   Камней, которые используются в ювелирном деле, существует огромное множество. Ознакомиться с их разнообразием и неповторимой красотой самоцветов можно на примере Уральской горки. Горка из самоцветов – это не просто набор минералов. Если взять эти же самые камни и сложить в кучу, получится хаос, красивый, но хаос, а здесь — гармония и игра света и цвета. Человек, создающий ее, должен хорошо чувствовать камень, уметь творить из него красоту, которая привлекает и радует глаз, вызывает истинное наслаждение.

   Горки из самоцветов — истинно российский, точнее уральский продукт. Как искусство, они появились в XVIII веке на Урале и пользовались тогда хорошим спросом у вельмож и состоятельных купцов. Сегодня эти традиции продолжены современными мастерами, а их работы пользуются огромной популярностью. На конусовидной основе с помощью цемента крепятся образцы цветных поделочных и драгоценных камней, встречающиеся в природе. Камни монтируются в виде отдельных кристаллов, сростков кристаллов или друз, спилов. В какой-то мере этим способом имитируются природные условия залегания камня. Горки предназначаются для музеев, выставок, минералогических кабинетов.

Федоскинская миниатюра

Размещение народных промыслов Центральной России характеризуется наличием сообщения с Москвой. На севере от столицы находится и древнее село Федоскино, где появились зачатки достаточно редкого вида искусства – изготовления изделий с применением папье-маше и металлизированных элементов. К девятнадцатому веку это ремесло достигло промышленных масштабов.

Ассортимент товаров, оформленных с помощью такой техники, достаточно широк. К нему относятся:

• различной формы табакерки и портсигары;
• спичечницы;
• чайницы;
• кошельки;
• шкатулки и т. д.

Миниатюра была представлена двумя техниками: «по плотному» и «по сквозному». Основными сюжетами, изображенными на изделиях, были бытовые сцены, пейзажи, портреты. Присутствовали элементы истории и мифологии.

История возникновения народных промыслов

Различные изделия из глины, металла, дерева и других материа­лов изготовляли на территории нашей настоящей, в т.ч. и бывшей страны, ныне на постсоветском пространстве с незапамятных времен. Археологические раскопки говорят о возникновении, на­пример, искусства керамики ещё в эпоху неолита (на территории Узбекистана, Таджикистана).

Народные промыслы развивались на основе крестьянских до­машних ремесел, промыслов, которые постепенно превращались в мелкое товарное производство.

Сначала это были мелкие частные мас­терские, сосредоточенные в одном районе и специализировавшие­ся на производстве определенного вида изделий. Из поколе­ния в поколение передавалось мастерство изготовления того или иного вида художественных изделий. Однако широкого разви­тия художественные народные промыслы получить не могли. Мастера народных промыслов находились в зависимости от хозяев мастерских и скупщиков.

Крестьянские народные промыслы. Источник

Впоследствии (во второй поло­вине XIX в.) народные промыслы попали в зависимость от крупного капиталистического производства, и, несмотря на обилие талантливых мастеров и богатые традиции, не выдерживали конкуренции с быстро развивающейся фабричной промышленностью и гибли. Русские земские организации и от­дельные меценаты пытались поддержать «кустарные промыслы» (так назывались художественные народные промыслы в те времена), но не могли остановить их общего упадка. Возможность широкого развития художественные народные промыслы получили после Великой Октябрьской социалистической револю­ции.

С первых дней Советской власти Советское правительство уделяло постоянное внимание сохранению народного искусства художественных промыслов, возрождению погибших промыслов. Большую роль в этом сыграл восстановленный Кустарный музей в Москве

Стали проводиться регулярные выставки народ­ного изобразительного искусства. Первая такая выставка была организована в Историческом музее Москвы в 1921 году. Ремеслен­ники-кустари были приравнены к творческим работникам других специальностей, что значительно улучшило их положение

Большую роль в этом сыграл восстановленный Кустарный музей в Москве. Стали проводиться регулярные выставки народ­ного изобразительного искусства. Первая такая выставка была организована в Историческом музее Москвы в 1921 году. Ремеслен­ники-кустари были приравнены к творческим работникам других специальностей, что значительно улучшило их положение.